Kracauers Motivkomplexe der Nachkriegszeit (1918–1924)
Kracauers Motivkomplexe der Nachkriegszeit (1918–1924)
Die Filme der frühen Weimarer Republik in „Von Caligari zu Hitler“
In seiner Untersuchung From Caligari to Hitler. A Psychological History of the German Film (1947) beschäftigt sich Siegfried Kracauer mit den gesellschaftlichen Mentalitäten, die sich nach dem Ende des Ersten Weltkriegs und dem Zusammenbruch des Kaiserreichs in deutschen Filmen erkennen lassen.
Die Jahre 1918 bis 1924 bilden für ihn eine besondere historische Phase. Revolution, politische Kämpfe, Inflation, gesellschaftliche Unsicherheit und der Verlust überkommener Autoritäten eröffneten neue Möglichkeiten gesellschaftlicher Entwicklung, lösten aber zugleich Ängste und Abwehrreaktionen aus.
Kracauer untersucht diese widersprüchlichen Erfahrungen anhand wiederkehrender filmischer Motive. Im Mittelpunkt stehen das Verhältnis von Freiheit und Autorität, die Angst vor Chaos, Vorstellungen eines unabwendbaren Schicksals sowie die Bereitschaft, sich erneut einer übergeordneten Macht zu unterwerfen.
Seine Untersuchung ist keine vollständige Darstellung der Filmproduktion dieser Jahre. Vielmehr entwickelt er sieben Motivkomplexe, denen er ausgewählte Filme zuordnet. Die folgende Übersicht übernimmt seine Kapitelgliederung und stellt die wichtigsten von ihm besprochenen Filme vor.[1]
Die Interpretationen werden zunächst als Positionen Kracauers wiedergegeben. Ihre historische Tragfähigkeit ist Gegenstand einer eigenständigen kritischen Untersuchung. Dazu gehören insbesondere die Repräsentativität seiner Filmauswahl, die Mehrdeutigkeit der Motive und die Gefahr, die frühe Weimarer Filmgeschichte rückblickend als Vorgeschichte des Nationalsozialismus zu lesen.
Die sieben Motivkomplexe
Der Schock der Freiheit – The Shock of Freedom
Kracauer 2004, S. 43–60
Kracauer beginnt mit der politischen Situation nach dem November 1918. Der Zusammenbruch der monarchischen Ordnung habe den Menschen die Möglichkeit eröffnet, bisherige gesellschaftliche Bindungen und Autoritäten infrage zu stellen. Die Revolution habe diese Möglichkeit jedoch nicht eingelöst.
Kracauer spricht der Novemberrevolution ausdrücklich den Charakter einer wirklichen Revolution ab. Seine Argumentation verweist darauf, dass wesentliche gesellschaftliche Machtverhältnisse, insbesondere die Stellung der Großgrundbesitzer, der Industrie, des Militärs und der Justiz, nicht grundlegend verändert wurden.
Für seine Filmgeschichte ist entscheidend, wie die neue Freiheit gesellschaftlich verarbeitet wurde. Er sieht in der frühen Nachkriegsproduktion einerseits die Darstellung bislang verdrängter Konflikte und Bedürfnisse, andererseits die Flucht in historische Schauwerte, exotische Räume und spektakuläre Masseninszenierungen.
Exemplarisch besprochene Filme
Anders als die Andern (1919) – Richard Oswald
Kracauer behandelt den Film im Zusammenhang mit der zeitweiligen Lockerung gesellschaftlicher Konventionen nach 1918. Die Thematisierung der strafrechtlichen Verfolgung homosexueller Männer gehört für ihn zu den Zeichen einer neuen öffentlichen Auseinandersetzung mit zuvor unterdrückten gesellschaftlichen Problemen.
Der Film steht damit für eine Möglichkeit gesellschaftlicher Öffnung, die Kracauer von den später dominierenden Tendenzen der Filmproduktion unterscheidet.
Madame Dubarry (1919) – Ernst Lubitsch
Der Film bildet für Kracauer ein Schlüsselbeispiel des historischen Ausstattungsfilms. Die Französische Revolution erscheint als spektakuläre Bewegung aufgebrachter Massen, während individuelle Liebesbeziehungen und höfische Intrigen die Handlung bestimmen.
Kracauer kritisiert, dass die Revolution ihrer gesellschaftlichen Bedeutung weitgehend beraubt und als zerstörerischer Massenausbruch dargestellt werde. Die filmische Behandlung der Revolution verrate damit mehr über die Einstellungen der deutschen Nachkriegsgesellschaft als über die Französische Revolution selbst.
Anna Boleyn (1920) – Ernst Lubitsch
Kracauer ordnet den Film in die Reihe historischer Großproduktionen ein, in denen gesellschaftliche und politische Konflikte vor allem durch persönliche Beziehungen, Machtkämpfe und Leidenschaften vermittelt werden.
Die historische Vergangenheit dient als Schauplatz eindrucksvoller Inszenierungen, während die gesellschaftlichen Ursachen der dargestellten Konflikte zurücktreten.
Sumurun (1920) – Ernst Lubitsch
Mit diesem Film verlagert sich die Handlung in eine orientalische Märchenwelt. Kracauer behandelt ihn im Zusammenhang mit der Tendenz, gesellschaftliche Konflikte in exotische und fantastische Räume auszulagern.
Die Verbindung von Erotik, Eifersucht, Gewalt und Herrschaft wird zu einem aufwendig gestalteten Unterhaltungsspektakel.
Danton (1921) – Dimitri Buchowetzki
Kracauer sieht auch hier eine Entpolitisierung der Französischen Revolution. Der Konflikt zwischen Danton und Robespierre wird vor allem als persönlicher Machtkampf gestaltet.
Die Revolution erscheint nicht als Ergebnis gesellschaftlicher Klassenkämpfe, sondern als dramatische Folge individueller Leidenschaften und Rivalitäten.
Die Herrin der Welt (1919/1920) – Joe May
Kracauer behandelt den Abenteuerfilm als Beispiel für die Ausdehnung filmischer Fantasie in ferne Länder und exotische Räume.
Er deutet diese Bewegung als imaginären Ersatz für die nach der deutschen Niederlage verlorenen Möglichkeiten nationaler Expansion. Das Filmabenteuer ermögliche eine symbolische Überschreitung der als beengend empfundenen Nachkriegsverhältnisse.
Zusammenhang: Der Schock der Freiheit führt in Kracauers Deutung nicht unmittelbar zu einer demokratischen Neuorientierung. Die Filmproduktion verarbeitet ihn vielfach durch historische Verkleidung, exotische Abenteuer und die Darstellung bedrohlicher Massenbewegungen.
Historisch-kritische Frage: Welche politischen und gesellschaftlichen Orientierungen werden in diesen Filmen tatsächlich sichtbar? Wie unterscheiden sich sozialkritische Filme von den historischen Großproduktionen, und welche Bedeutung haben die Produktions- und Verwertungsinteressen der Filmindustrie?
Caligari – Das Cabinet des Dr. Caligari
Kracauer 2004, S. 61–76
Kracauer behandelt Das Cabinet des Dr. Caligari als einen Schlüssel zur gesellschaftlichen Mentalität der frühen Weimarer Republik.
In der Figur des Dr. Caligari sieht er eine Verbindung von Autorität und Willkür. Der Schlafwandler Cesare erscheint als willenloses Werkzeug einer übergeordneten Macht. Die expressionistische Bildgestaltung verstärkt für Kracauer den Eindruck einer Welt, in der gesellschaftliche Ordnung und psychische Stabilität zerfallen.
Exemplarisch besprochener Film
Das Cabinet des Dr. Caligari (1920) – Robert Wiene
Kracauer unterscheidet zwischen der ursprünglichen Konzeption der Geschichte und der Rahmenhandlung des fertigen Films. Er deutet die Veränderung als Umkehrung einer gegen autoritäre Herrschaft gerichteten Erzählung in eine Geschichte, in der die Autorität des Anstaltsdirektors wiederhergestellt wird.
Die expressionistischen Dekorationen, verzerrten Räume und ungewöhnlichen Bildkompositionen versteht er als Ausdruck einer zwischen Tyrannei und Chaos schwankenden gesellschaftlichen Mentalität.
Seine Interpretation der Entstehungsgeschichte ist durch spätere Drehbuchforschungen in wichtigen Punkten infrage gestellt worden. Die Filmseite sollte deshalb Produktionsgeschichte, Inhaltsangabe und die unterschiedlichen Deutungen getrennt behandeln.
Zusammenhang: Kracauer sieht im Film eine gesellschaftliche Grundkonstellation, die in den folgenden Motivkomplexen wiederkehrt: die scheinbare Alternative zwischen autoritärer Herrschaft und bedrohlichem Chaos.
Historisch-kritische Frage: Welche Aussagen ergeben sich tatsächlich aus der filmischen Gestaltung, und welche aus Kracauers nachträglicher Interpretation? Welche Bedeutung haben die unterschiedlichen Drehbuchfassungen?
Aufmarsch der Tyrannen – Procession of Tyrants
Kracauer 2004, S. 77–87
Kracauer untersucht eine Reihe von Filmen, in denen übermächtige, dämonische oder verbrecherische Herrscherfiguren auftreten. Die Figuren unterscheiden sich, besitzen aber für ihn eine gemeinsame gesellschaftspsychologische Bedeutung.
Sie verkörpern die Vorstellung, dass einzelne Menschen oder kleine Gruppen die Gesellschaft durch außergewöhnliche Macht, Willenskraft oder manipulative Fähigkeiten beherrschen können.
Exemplarisch besprochene Filme
Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens (1922) – F. W. Murnau
Kracauer interpretiert die Vampirfigur als Erscheinungsform einer zerstörerischen Macht. Nosferatu bringt Krankheit, Angst und Tod über die Menschen.
Die Figur verbindet für ihn tyrannische Herrschaft mit einer unheimlichen, kaum kontrollierbaren Bedrohung. Ihre Überwindung durch die Opferbereitschaft Ellens unterscheidet den Film zugleich von anderen Tyrannenfilmen.
Dr. Mabuse, der Spieler (1922) – Fritz Lang
Mabuse verkörpert für Kracauer die Verbindung von Tyrannei und gesellschaftlichem Chaos. Er beherrscht Menschen durch Täuschung, Hypnose, Verkleidung und kriminelle Organisation.
Die Gesellschaft erscheint als ein Raum, in dem niemand sicher sein kann, wer im Dienst der verborgenen Macht handelt.
Kracauer hebt hervor, dass der Sieg über Mabuse die gesellschaftlichen Voraussetzungen seiner Herrschaft nicht beseitigt. Der Film zeigt für ihn eine Welt, in der Chaos neue Tyrannen hervorbringen kann.
Das Wachsfigurenkabinett (1924) – Paul Leni
Kracauer sieht in diesem Film den Abschluss des Zyklus fantastischer Tyrannenfilme. Die Geschichten um Harun al-Raschid, Iwan den Schrecklichen und Jack the Ripper variieren unterschiedliche Formen von Willkür, Gewalt und Bedrohung.
Besonders die abschließende Traumsequenz verbindet für ihn die Motive von Chaos und Tyrannei mit einer expressionistischen Bildgestaltung.
Zusammenhang: Tyrannei erscheint bei Kracauer nicht als Gegensatz zum Chaos, sondern als dessen mögliche Folge und zugleich als Macht, die gesellschaftliches Chaos ausnutzt.
Historisch-kritische Frage: Sind die Tyrannenfiguren Ausdruck einer gesellschaftlichen Sehnsucht nach autoritärer Herrschaft, oder können sie ebenso als Warnung vor dieser Herrschaft verstanden werden?
Schicksal – Destiny
Kracauer 2004, S. 88–95
Kracauer untersucht hier die Vorstellung, dass menschliches Handeln einer übergeordneten, unabwendbaren Macht unterworfen sei.
Wenn Freiheit als Chaos und Herrschaft als Tyrannei erscheint, gewinnt das Schicksal eine besondere Bedeutung. Die Unterwerfung unter eine unvermeidliche Entwicklung kann die Erfahrung politischer und gesellschaftlicher Ohnmacht in eine scheinbar höhere Notwendigkeit verwandeln.
Exemplarisch besprochene Filme
Der müde Tod (1921) – Fritz Lang
Kracauer untersucht die Geschichte einer jungen Frau, die ihren Geliebten dem Tod entreißen will. In drei unterschiedlichen historischen und geografischen Episoden versucht sie, das Schicksal zu überwinden.
Ihre Bemühungen scheitern. Für Kracauer wird damit eine Welt sichtbar, in der menschliche Wünsche und Handlungen an einer übergeordneten Macht ihre Grenze finden.
Die Nibelungen (1924) – Fritz Lang
Kracauer sieht in Langs zweiteiligem Film eine besonders ausgeprägte Gestaltung des Schicksalsmotivs. Die Figuren erscheinen in eine streng geordnete, monumentale Welt eingebunden, deren Verlauf sie nicht grundsätzlich verändern können.
Er verbindet die filmische Darstellung von Treue, Macht, Rache und Untergang mit Vorstellungen kollektiver Bindung und Unterordnung.
Besonders wichtig ist für ihn die Monumentalisierung der Figuren und ihrer Beziehungen durch die Bildgestaltung.
Zusammenhang: Das Schicksalsmotiv verwandelt gesellschaftliche Konflikte in scheinbar unabwendbare Entwicklungen. In Kracauers Deutung kann dies die Bereitschaft fördern, bestehende Machtverhältnisse als unveränderlich hinzunehmen.
Historisch-kritische Frage: In welchem Verhältnis stehen die dargestellten Schicksalsmächte zu den konkreten Konflikten der Filme? Wird Unterwerfung bestätigt oder ihre Tragik sichtbar gemacht?
Stummes Chaos – Mute Chaos
Kracauer 2004, S. 96–106
In diesem Kapitel untersucht Kracauer Filme, in denen gesellschaftliche Konflikte nicht als offene politische Auseinandersetzungen erscheinen, sondern in privaten Beziehungen und psychischen Krisen verarbeitet werden.
Besondere Bedeutung haben die von Carl Mayer geschriebenen Kammerspielfilme. Sie konzentrieren sich auf wenige Figuren, begrenzte Räume und dramatische Konflikte, in denen sich verdrängte Wünsche und gesellschaftliche Zwänge verdichten.
Exemplarisch besprochene Filme
Hintertreppe (1921) – Leopold Jessner und Paul Leni
Kracauer behandelt den Film im Zusammenhang mit den Kammerspielfilmen, deren Figuren in einem engen sozialen und räumlichen Zusammenhang gefangen bleiben.
Die privaten Beziehungen werden durch Eifersucht, Enttäuschung und unkontrollierbare Leidenschaften bestimmt. Das gesellschaftliche Umfeld erscheint vor allem vermittelt durch die psychische Situation der Figuren.
Scherben (1921) – Lupu Pick
Der Film zeigt eine Familie, deren Leben durch die Verführung der Tochter und die anschließende Gewalttat des Vaters zerstört wird.
Kracauer sieht darin eine Welt, in der unter einer äußerlich geordneten Oberfläche unkontrollierbare Triebe und zerstörerische Konflikte wirksam werden.
Die Reduktion von Zwischentiteln und die Konzentration auf Gesten, Räume und Bildfolgen sind für seine Betrachtung besonders wichtig.
Sylvester (1924) – Lupu Pick
Der Konflikt zwischen einer Ehefrau und ihrer Schwiegermutter führt zur psychischen Überforderung des Mannes und schließlich zu einer Katastrophe.
Kracauer interpretiert die Darstellung als Ausdruck einer inneren Unordnung, die sich nicht in bewusste, gesellschaftlich gerichtete Handlung übersetzen lässt.
Der letzte Mann (1924) – F. W. Murnau
Kracauer untersucht den sozialen Abstieg eines Hotelportiers, der seine bisherige Stellung und die mit seiner Uniform verbundene Anerkennung verliert.
Die psychische Krise des Portiers verweist auf die Bedeutung gesellschaftlicher Rangordnungen und Statusvorstellungen. Der Film führt die Kammerspieltradition zugleich in eine stärker bewegliche und visuell ausgearbeitete Form über.
Die künstliche glückliche Schlusswendung behandelt Kracauer als besonders aufschlussreichen Bruch.
Zusammenhang: Die gesellschaftlichen Widersprüche erscheinen als private Katastrophen. Die Figuren leiden unter Kräften, die sie nicht verstehen und denen sie kaum bewusst entgegentreten können.
Historisch-kritische Frage: Welche gesellschaftlichen Verhältnisse werden in den scheinbar privaten Konflikten sichtbar? Wie werden Klasse, Geschlecht, Autorität und soziale Abhängigkeit filmisch gestaltet?
Das entscheidende Dilemma – Crucial Dilemma
Kracauer 2004, S. 107–114
Kracauer führt die zuvor entwickelten Motive zu einer grundlegenden gesellschaftspsychologischen Konstellation zusammen.
Die Filme zeigen für ihn eine Gesellschaft, die zwischen zwei Möglichkeiten schwankt: dem Ausbruch unkontrollierter Leidenschaften und der Unterwerfung unter eine übergeordnete Ordnung.
Eine gesellschaftliche Freiheit, die weder Chaos noch autoritäre Herrschaft bedeutet, werde dagegen kaum vorstellbar.
Exemplarisch besprochene Filme und Filmgruppen
Schatten – Eine nächtliche Halluzination (1923) – Arthur Robison
Kracauer behandelt den Film als besonders aufschlussreiche Darstellung verdrängter Wünsche und psychischer Konflikte.
Die Schattenbilder führen den Figuren mögliche Folgen ihrer Leidenschaften vor Augen. Die filmische Gestaltung verwandelt innere Konflikte in sichtbare, bedrohliche Erscheinungen.
Kracauer untersucht, inwiefern die Erfahrung des drohenden Chaos eine Rückkehr zur bestehenden Ordnung nahelegt.
Der steinerne Reiter (1923) – Fritz Wendhausen
Kracauer behandelt den Film im Zusammenhang mit fantastischen und märchenhaften Darstellungen von Macht, Bedrohung und übergeordneten Kräften.
Er interessiert sich besonders für die Verbindung von Natur, Mythos und Herrschaft, durch die gesellschaftliche Konflikte in eine scheinbar zeitlose Welt verlagert werden.
Die frühen Bergfilme Arnold Fancks
Kracauer bezieht die Bergfilme in seine Untersuchung der gesellschaftlichen Mentalitäten ein. Dazu gehören Das Wunder des Schneeschuhs (1920), Im Kampf mit dem Berge (1921) und Der Berg des Schicksals (1924).
Er deutet die Begeisterung für Gebirge, körperliche Bewährung und die Überwindung natürlicher Gefahren als Ausdruck eines Bedürfnisses nach Bindung an überindividuelle Kräfte und nach Flucht aus den gesellschaftlichen Konflikten des Alltags.
Die weitreichende politische Interpretation der Bergfilme gehört zu den besonders umstrittenen Teilen seiner Untersuchung.
Zusammenhang: Kracauer sieht in diesem Motivkomplex den Ausdruck einer gesellschaftlichen Orientierungslosigkeit, die den Weg zu neuen autoritären Bindungen eröffnen kann.
Historisch-kritische Frage: Inwieweit lassen sich die unterschiedlichen Filme tatsächlich auf ein gemeinsames gesellschaftspsychologisches Dilemma beziehen? Welche alternativen Bedeutungen besitzen ihre Darstellungen?
Von der Auflehnung zur Unterwerfung – From Rebellion to Submission
Kracauer 2004, S. 115–130
Im abschließenden Kapitel über die frühe Nachkriegszeit untersucht Kracauer die Rückkehr autoritärer Orientierungen.
Die Filme zeigen für ihn unterschiedliche Wege, auf denen anfängliche Auflehnung, der Wunsch nach Freiheit oder die Überschreitung gesellschaftlicher Grenzen schließlich in Unterwerfung, Anpassung oder Resignation münden.
Exemplarisch besprochene Filme
Fridericus Rex (1922/1923) – Arzen von Cserepy
Kracauer interpretiert die mehrteilige Friedrich-II.-Verfilmung als unverhohlene monarchistische Propaganda.
Der junge Friedrich widersetzt sich zunächst der Autorität seines Vaters. Seine Unterwerfung wird jedoch zur Voraussetzung seiner späteren Größe als Herrscher.
Für Kracauer ist dies ein exemplarisches Muster: Aus Rebellion wird Gehorsam, aus dem Wunsch nach Selbstbestimmung die Anerkennung autoritärer Macht.
Die Friedrich-Legende erscheint zugleich als kulturelle Ressource antirepublikanischer und monarchistischer Orientierungen.
Die Straße (1923) – Karl Grune
Ein kleinbürgerlicher Mann verlässt seine häusliche Umgebung, um die Verlockungen der Großstadt zu erleben. Seine Begegnung mit der Straße führt jedoch nicht zur erhofften Befreiung, sondern zu Angst, Enttäuschung und schließlich zur Rückkehr in die vertraute Ordnung.
Kracauer sieht darin eine besonders deutliche Darstellung des Übergangs von Auflehnung zu Unterwerfung.
Die Straße erscheint zunächst als Raum möglicher Freiheit, verwandelt sich jedoch in eine bedrohliche Welt unkontrollierbarer Kräfte. Die Rückkehr in die häusliche Ordnung wird von Kracauer als resignative Selbstunterwerfung interpretiert.
Weitere Bezüge: Doppelgänger und gespaltene Identitäten
Kracauer verbindet das Motiv der Unterwerfung mit der auffälligen Häufigkeit gespaltener Persönlichkeiten und Doppelrollen im deutschen Film.
Er verweist unter anderem auf Der Januskopf (1920), Kohlhiesels Töchter (1920) und spätere Filme mit entsprechenden Rollenmustern.
Diese Erscheinungen deutet er als Ausdruck innerer Widersprüche, die durch die Rücknahme ursprünglich auf Freiheit gerichteter Wünsche entstehen können.
Zusammenhang: Das Kapitel bildet den Abschluss von Kracauers Darstellung der Nachkriegszeit. Der anfängliche Schock der Freiheit mündet in seiner Interpretation in die Bereitschaft, sich erneut autoritärer Ordnung zu unterwerfen.
Historisch-kritische Frage: In welchem Verhältnis stehen die filmisch dargestellten Unterwerfungsprozesse zu den politischen und gesellschaftlichen Auseinandersetzungen der Jahre 1918 bis 1924? Welche Bedeutung haben monarchistische Propaganda, kleinbürgerliche Statusängste und die Stabilisierung der alten gesellschaftlichen Machtverhältnisse?
Historische Einordnung und methodische Konsequenzen
Kracauers sieben Motivkomplexe ergeben eine zusammenhängende Interpretation der deutschen Filmgeschichte zwischen 1918 und 1924.
Die politische Öffnung nach dem Ende des Kaiserreichs erscheint als eine Freiheit, die nicht dauerhaft gesellschaftlich verwirklicht wird. Stattdessen erkennt Kracauer in den Filmen eine wiederkehrende Bewegung von der Verunsicherung über die Angst vor Chaos zur Suche nach übergeordneten Mächten und schließlich zur erneuten Anerkennung autoritärer Herrschaft.
Diese Interpretation besitzt einen erheblichen Erkenntniswert, weil sie die Filme als Zeugnisse gesellschaftlicher Erfahrungen ernst nimmt und nach den kulturellen Voraussetzungen politischer Entwicklungen fragt.
Sie ist jedoch keine gesicherte Beschreibung einer einheitlichen gesellschaftlichen Mentalität. Die Weimarer Republik war durch widersprüchliche Klassenverhältnisse, politische Konflikte und konkurrierende kulturelle Orientierungen geprägt. Ihre Filmproduktion darf deshalb nicht auf eine einzige Entwicklungslinie reduziert werden.
Hinzu kommt, dass Kracauers Filmauswahl nicht die gesamte zeitgenössische Filmproduktion repräsentiert. Gerade Bettina Greffrath hat darauf hingewiesen, dass eine mentalitätsgeschichtliche Untersuchung wiederkehrender Motive einer systematischeren und breiteren empirischen Grundlage bedarf.[2]
Die Lernwerkstatt verwendet Kracauers Motivkomplexe daher als historische Fragestellungen und als Orientierung für die Auswahl exemplarischer Filme. Ihre Deutungen werden im Rahmen einer historisch-kritischen Filmanalyse überprüft, die Filmrealität, Bedingungsrealität, Bezugsrealität und Wirkungsrealität aufeinander bezieht.
Eine ausführliche Auseinandersetzung mit den methodischen Einwänden bietet der Beitrag „Siegfried Kracauers psychologische Filmgeschichte – Erkenntnisgewinn und Kritik“.
Die Frage, wie Filme zugleich gesellschaftliche Mentalitäten ausdrücken und an kulturellen Deutungskämpfen beteiligt sein können, wird im Beitrag „Film als Seismograph und Medium kultureller Hegemonie“ weitergeführt.
Anmerkungen
[1] Siegfried Kracauer: From Caligari to Hitler. A Psychological History of the German Film. Revised and Expanded Edition, hrsg. von Leonardo Quaresima, Princeton/Oxford 2004, Teil II: „The Postwar Period (1918–1924)“, S. 43–130. Die Kapitel beginnen auf S. 43, 61, 77, 88, 96, 107 und 115. Die englische Ausgabe liegt vollständig digitalisiert vor. Deutsche Ausgabe: Von Caligari zu Hitler, Werke, Bd. 2.1, hrsg. von Sabine Biebl, Berlin 2012. Deutsche Leseprobe. ↩
[2] Bettina Greffrath (1993): Verzweifelte Blicke, ratlose Suche, erstarrte Gefühle, Bewegungen im Kreis. Spielfilme als Quellen für kollektive Selbst- und Gesellschaftsbilder in Deutschland 1945–1949. Dissertation, Universität Hannover, S. 19–30. Zur Kritik an Kracauers Filmauswahl und zur systematischeren Untersuchung wiederkehrender Motive. Methodischer Grundlagenteil in der Lernwerkstatt. ↩
Literatur
Greffrath, Bettina (1989): „Von Tauchstationen und Entdeckungsreisen. Kleines Plädoyer für sozialpsychologische Fragen an Film und Kinogeschichte“. In: Film – Geschichte – Wirklichkeit. Geschichtswerkstatt 17. Hamburg, S. 41–53.
Greffrath, Bettina (1993): Verzweifelte Blicke, ratlose Suche, erstarrte Gefühle, Bewegungen im Kreis. Spielfilme als Quellen für kollektive Selbst- und Gesellschaftsbilder in Deutschland 1945–1949. Dissertation, Universität Hannover.
Greffrath, Bettina (1995): Gesellschaftsbilder der Nachkriegszeit. Deutsche Spielfilme 1945–1949. Pfaffenweiler.
Kracauer, Siegfried (1947/2004): From Caligari to Hitler. A Psychological History of the German Film. Revised and Expanded Edition, hrsg. und eingeleitet von Leonardo Quaresima. Princeton/Oxford: Princeton University Press.
Kracauer, Siegfried (2012): Von Caligari zu Hitler. Eine psychologische Geschichte des deutschen Films. Werke, Bd. 2.1, hrsg. von Sabine Biebl. Berlin: Suhrkamp.
Quaresima, Leonardo (2004): „Introduction to the 2004 Edition: Rereading Kracauer“. In: Kracauer, From Caligari to Hitler, S. xv–l. Verlagsnachweis.
